Festival Présences 2019（リーム祭り）２日目 2/13@ラジオフランス

２月１３日、ラジオフランスで開催中のFestival Présences 2019、第２日目のコンサートへ行ってきました。訳するなら「音楽の現在 2019」みたいな感じでしょうか。ラジオフランスでは毎年このフェスティバルを開催しており、異な...

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2019.02.16

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）１日目 2/7@ラジオフランス

今年もこの季節がやってまいりました。パリの現代音楽の祭典、Festival Présences 2020の開幕です。去年はドイツの作曲家、リームの特集でした。そのときの様子はこちらをご覧ください。今回でこの祭典も第３０回を迎えるという記念す...

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2020.02.08

２０２０年のフェスティバルはコロナ騒動の直前だったのでギリギリ開催できたわけですが、昨年は無観客でオンライン開催となっていました。ちなみに昨年の特集作曲家はパスカル・デュサパンでした。

でもやはり僕自身はオンラインの視聴だと全然気合が入らなくて、やっぱり世界初演の作品は生で聴かなければ、ということで、今年は無事に観客を入れて開催する運びとなったので行ってきました。

今年の特集作曲家はトリスタン・ミュライユです。概要は日本語版Wikipediaにあるのでご覧ください。昨年同様、やはり海外から作曲家を招くのは難しい状況なので国内作曲家から選ばれたのだと思われます。しかしマイナーどころかむしろ大物作曲家で、同じフランスのグリゼーと共にスペクトル楽派の中心人物でもあります。

さて今回は色々と多忙なのもあって、週末の３日間だけ行くことにしました。まあそれでも１日に複数の演奏を立て続けに聴くのは本当に体力を消費するので大変です。では早速、４日目金曜日のプログラムを紹介します。

プログラム

Tristan Murail: «Portulan» (1999-2021) ※組曲中１曲のみ世界初演

最初のコンサートはミュライユの１作品のみ。タイトルは日本語にすると羅針儀海図、大航海時代に使われた海図のことです。フルート、クラリネット、ホルン、バイオリン、ヴィオラ、チェロ、ピアノ、打楽器の室内楽の組曲ですが、各曲で編成が異なるので毎回奏者が入れ替わっていました。最少だと２人のデュエット、８人全員で演奏するのは１曲のみでした。

序盤の数曲を聴いての印象としては、特殊奏法をほぼ使わずアンサンブルの書法も明瞭でありながら、ハーモニーの移ろいはかなり複雑であるという、いわば正統派という感じです。ハーモニーが複雑と言っても昨今によくあるような乱雑なものではなく、狙い澄ました洗練された響きを追求しているのだなとすぐわかります。こういう「耳を使った」作曲は実に大切だと、改めて思い知らされます。

途中から徐々に特殊奏法が増えてきましたが、と言っても弦楽器のスルポンハーモニクスや管楽器のブレス音・キー音系のものにほぼ限られているので、やはりアンサンブルの明瞭さは保持されています。

全体の書法としては、室内楽らしさというより小オーケストラといった印象が強いですね。これは僕の好みとは真逆なんですが、これはこれで良いと思います。途中ホルンがバンダ（舞台とは別の場所で演奏すること。今回は後方客席の隅の方）で演奏する場面もありましたが、なかなかうまく機能していました。

一つ気になる点としては微分音でしょうか。簡単に言えば半音よりもさらに狭い間隔の音程で演奏することです。この作品で微分音が使われていたかどうかは、正直わからないです。今のはそれっぽいなあという箇所はいくつかあったんですが、結局それって奏者のミスなのかどうか判断がつかないわけです。それはこの作品に限ったことじゃないんですが、遭遇する度に微分音って何なんだろうって思いますね僕は。この話題は次以降の記事でも触れましょう。

曲ごとの色合いの変化がそれほど大きくない点は個人的には残念ですが、この組曲一つで作曲家の個性が十分によく出ている良い作品だと思いました。6.0。

ミュライユ本人も来ていました。

では次のコンサートへ。

お次はうってかわってジャズオーケストラのコンサートです。

1. Christophe de Coudenhove (1963-): «En blanc and blue» (2016, 2021)　※改訂初演

フランスの作曲家。パリ高等音楽院でエクリチュールなどと共に電子音響音楽を学ぶ。後にIRCAMで研究。

まず目を引くのは編成です。

このようにハープ２台がデーンと置かれています。ジャズ作品でハープを使うのは、まあ僕は初めて聴きますね。プログラムを見ると１台はハープ、もう１台はブルーハープって書かれているんですよね。なんだそれって思って検索してもブルースハープ（ハーモニカのこと）しか出てこなくて情報が見つかりません。普通のハープと何が違うのか、有識者の方教えてください。ハープ以外にもマリンバやグロッケンなどジャズらしからぬ楽器がありました。

実際の曲は、これぞ現代音楽とジャズの融合、というよりごちゃ混ぜって感じです。記譜通りに演奏して現代音楽っぽい部分もあれば、指揮者が休んで奏者のアドリブに任せているジャズっぽい部分もあるという、そんな構成です。あーなるほどハープでジャズをやるとこうなるのかという個人的な新鮮味はありましたが、一つの音楽作品としては特に魅力を見出せるものではありませんでした。3.0。

2. Steve Lehman (1978-), Frédéric Maurin (1976-): «Ex Machina» (2021)　※世界初演

二人の共作なんでしょうか。うち一人は今回のオーケストラの指揮者です。

編成はほぼ通常のジャズオーケストラと同じ。IRCAMの委嘱作品ということもあって、当然ライブエレクトロニクスを使います。主な用途はソリストがアドリブをするときにそれに反応して何か音を鳴らす感じで、それ以外にも賑やかしで使われていました。５、６曲くらいの組曲だったと思いますが、どの曲も先ほどと同じように、記譜パートとアドリブパートの交替で作られていました。

これは先程の作品にも共通することなんですが、ここまでハーモニーが複雑になるともう何でもありだなって思っちゃいますね。一度に十二音全部の音が鳴ってるんじゃないかと思うほどにごちゃごちゃしています。もちろん通常のジャズでもハーモニーが複雑になることはありますが、それでもアドリブ以外のところではキャッチーなメロディーなりハーモニーなりを用意しておくからまとまりが生まれるのであって、全体がごちゃごちゃしっぱなしだと単純に飽きますね。だからどれを聴いても同じ印象にしかなりません。最後の曲だけは記譜部分をちょっと真面目に書いてる雰囲気はありましたが、それでもハーモニーの適当さは変わりませんでした。2.5。

まあこちらのプログラムは最初から期待はしてなかったんですが、やはり聴いてみないとわからないですからね。体験としては悪くなかったです（と言い聞かせる）。

終演が０時を越えるともう電車がないので地下鉄駅まで歩かなきゃいけないのがダルいところ。冬の寒さのピークは越えたのでそれがせめてもの救いです。さて明日からも頑張って聴きますか……

プログラム

1. ウェーベルン: パッサカリア op.1
2. ベルク: ヴァイオリン協奏曲「ある天使の思い出に」
3. ブラームス: 交響曲第４番

まず会場に入ったらいつもスマートフォンでチケットを表示させて受付を通るのですが、今回は席の振替があるからこっちから入ってくれとの指示。ついていくとえらい前の方に案内されました。理由は不明ですがラッキーです。何十回このホールに来てるかわからないぐらいですが、こんなに良い席に座るのは初めてです。パリ管だったら５０〜６０ユーロくらいしますからね。

さて最初はウェーベルンのパッサカリア。ちょうど１年くらい前にパリ管の演奏を聴きに来ました。ウェーベルンとこの後のベルクについても軽く書かれているので知らない方はそちらからどうぞ。

ウェーベルン: パッサカリア 他 -パリ管弦楽団 10/16@PdP [8.0]

１０月１６日、フィルハーモニー・ドゥ・パリで行われた、パリ管弦楽団のコンサートに行ってきました。指揮はFrançois-Xavier Roth、現在ロンドンフィルの首席客演指揮者、ケルン市音楽総監督などを務めています。1. ウェーベルン: ...

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2019.10.23

さて、一般的なプロオケと、アマチュアオケ・学生オケの一番の違いは何かというと、まず思うのは弦セクションの実力差の開きでしょうかね。学生オケでも上手い人は本当に上手くてプロレベルの場合も少なくないのですが、それはごく一部であって何十人もの奏者がそのレベルにいるわけではありません。となると必然的にセクション内での音の統一が取れなくなるわけですね。もちろんプロだってレベル差は当然ありますが、それでもコンマスにピタっとついてくるだけの実力はないとオケではやっていけませんから、そこはさすがにプロなのです。

おそらく世界でもトップレベルであろうパリ音楽院オケであってもやはりその「学生オケっぽさ」から逃れることは出来ないんだなと思いましたね。まあウェーベルンは難しいですからね。ただ弦よりも、むしろ個人的には打楽器の方が気になりましたね。ティンパニーはまだしも、トライアングルとかなんて誰でも出来そうだと思うじゃないですか。でも全然違うんですよねこれが。まあ打楽器は個人の技量の問題が大きいので、こればっかりは仕方ありません。

さてお次はベルクのヴァイオリン協奏曲。もともとベルクの中でもこの作品は有名なのですが、『のだめカンタービレ』の第２０巻で清良がコンクールで演奏している描写があって、それでさらに人気が出た印象があります。詩的なタイトルもついてますからね。ただしWikipediaにあるように、正式な副題というわけではありません。

今回のソリストはクリスチャン・テツラフ、日本でもよく演奏しているベテランです。彼がどういうスタイルの演奏家なのかというのは、まあ説明するより見てもらった方がわかりやすいので、短くまとまってる動画を発見しました。６年前のものですが、ラトルと共演しているときのブラームスの最終楽章です。

この通り、ヴィルトゥオージティ（超絶技巧性）に優れているのは当然ながら、表現の幅も広くて明快な音楽性の示し方をしているので、実にソリスト向きの演奏家という感じですね。ちなみに現在はこのときよりもっと髪が伸びてそれを後ろで縛っている、今風に言うとイケオジですね。

さて今回の演奏は、もちろん良かったのは良かったのですが、個人的にはベルクの音楽性よりも彼のキャラクターの方が前に出過ぎてしまったかなという印象は拭えませんね。ただ、常にオーケストラを気にかけている雰囲気で、第１ヴァイオリンとのトゥッティの場面なんかは積極的に音楽を先導するような素振りで、そういう教育的な演奏を心がけようと思っていたのかもしれません。こういうのはプロとの共演の場合だったら絶対に出来ないことですからね。オケも難しいんですが、アンサンブル自体はきっちりこなしていて、さすがパリ音楽院という実力を示していました。アンコールにバッハのソナタ１番のアダージョをやってくれました。

休憩明けて最後はブラームスの４番。

やはりというか、前半２曲に比べるとオケの完成度がかなり高かったですね。弦セクションもこちらはよくまとまっていました。木管は全体的に良くて、特にフルートとオーボエは素晴らしかったです。この演奏だけならプロと全く遜色ないレベルでした。将来がとても楽しみですね。

個人的には色々と興味深く聴くことができたコンサートでした。それにつけても、このプログラムは日本の音大ではなかなか実現できないのではないでしょうか。それをこのレベルで仕上げてきただけでも学校のレベルの高さがよくわかりました。機会があればまた聴きに来たいですね。

最後にベルクの映像を紹介しておきましょう。ギル・シャハムとヤルヴィ指揮、N響の演奏です。雰囲気に流されない理知的な演奏かつソリストの輝きをしっかり発揮している名演です。

プログラム

実際の演奏では前半の２曲の順番が逆になっていました。その順で紹介します。

1. George Crumb (1929-): «Kronos-Kryptos» (2018) 国内初演

ジョージ・クラムはアメリカの作曲家。詳しくはWikipediaをどうぞ。

今回は打楽器５人の作品。現代作品で打楽器のみだと小難しいイメージがあるかもしれませんが、これはヴィブラフォンやグロッケンなどの鍵盤打楽器が多めで、かつリズム点が結構単純なのでかなり聴きやすい部類です。４部構成で、第２部なんかはホラー系のアニメや映画でそのまま使えそうな雰囲気でした。水の入ったタライにボトルの水を注ぎこむ、というのは現代作品では初めて見ましたね。第３部の賑やかな楽章では演奏者に掛け声を出させることもやっていましたが、あんまりこういうのはやらない方がいいですね。よっぽど工夫しない限り不細工にしかならないですから。

比較的簡明な響きと構成の作品でしたが、裏を返せば見所もあまりないってことでもあります。古典的だとしても洗練された技法か、不細工だとしても意欲的な仕掛けか、少なくともどちらかは欲しいところですね。3.5。

2. アイヴズ：«Three Places in New England» (1929)

アイヴズもアメリカ生まれの作曲家。シェーンベルクと同じ１８７４年生まれですが作風はまったく違います。その経歴とスタイルから音楽史上では「アマチュア作曲家」と評されることも多いですが、近年は評価が高まってきている感じです。日本語版Wikipediaではこの作品の作曲年代が1903-21と書かれていますが、プログラムにも英語版Wikipediaにも改訂1929（初演は1931）と書かれているので、まあそちらが正しいのだと思われます。

音楽史では近代から現代の過渡期を象徴する作曲家の一人ですが、アンサンブル・アンテルコンタンポランの演奏レパートリーという点で考えるとかなり古典の部類に入るでしょう。まあでも演奏のクオリティは確かなものでした。第２楽章のパロディ風マーチのヤケクソ感もよく出ていました。作品としては、まあ個人的には「いつものアイヴズ」以上のものはなかったんですが、最後の締め方はなんか肩透かしな感じでもったいなかったです。

3. Enno Poppe (1969-): «Prozession» (2020) 国内初演

ドイツの作曲家。ベルリン芸術大学で作曲と指揮を学び、数々の作曲賞受賞と共にダルムシュタット夏季講習会でも教鞭をとっていたようです。今回のプログラムの表紙にもなっています。

今作は小オーケストラ編成ですが、シンセサイザー２つとエレキギターが加わっています。クラムの作品と比べるとこちらはリズム点の面でもハーモニーの面でも相当複雑で現代的な感じです。まあ作家の世代がかなり違うので当然っちゃ当然ですが。

ノンストップで５０分の超大作で、大まかに前後半に分かれています。前半部は４人の打楽器の不定形な賑やかしが常に鳴っていて、その中で近似音程の衝突とポルタメントを主体としたモチーフが繰り返されていました。このモチーフについては割と良かったと思うんですが、その発展のさせ方はイマイチだったように思います。あとはトゥッティで広音域が鳴るときはかなりカオスな音響になるのですが、その響きも洗練されてるとは感じませんでしたね。ただシンセとエレキの用法については、乱用を避けて抑制しつつも効果的だったので、それは良かったと思います。

もはや何でもありな現代音楽において、どうやって「新しいカオス」を生み出すのか、というのはテーマになりやすいのかなと思うのですが（それが面白いかどうかはさておいて）、１２音全部使って、微分音も使って、打楽器ゴチャゴチャさせて、みたいな単純な方法では「どこかで聞いたカオス」にしかならないわけですよね。狙い澄ました楽器法と前後関係の音響配置によほどの工夫を凝らさないと新しい感覚のカオスにはならないと思うので、そういった点の工夫が欲しかったです。

そしてなにしろ、５０分って非常に長いです。個人的には「音楽的内容」と作品時間が釣り合ってない印象です。つまり素材をこねくり回している時間が長すぎるってことですね。別に時間を要する瞑想的な作品でもないですし、同じ内容で３０分くらいにまとまっていればもっと好印象だったと思います。4.0。

アンテルコンタンポランの演奏を久々に聴きましたが、やはり演奏の質は高いですね。特に打楽器は素晴らしいです。このブログでも何度か登場している、僕が激推ししているチェリストの Éric-Maria Couturier ですが、この日は一人だけタンクトップの出立ちでとても目立っていました。僕はそれほどタトゥーに魅力を感じるタイプではありませんが、彼のタトゥーはかっこいいなと思いますね。

ちなみに帰りのトラムはトラブルで運行停止していました。ツイッターで色々検索してみたのですが、この件で呟いている人は誰一人いないほどの茶飯事です。はあー（ため息）

というわけで、１０月１３日、フィルハーモニー・ドゥ・パリで行われた、パリ管弦楽団のコンサートに行ってきました。

プログラム

1. コルンゴルト: ヴァイオリン協奏曲
2. ストラヴィンスキー: 火の鳥（1919年版）
3. ドビュッシー: 海

実は前日にメールが届き、今年からパリ管の常任指揮者になったクラウス・マケラが体調不良のため、前任のダニエル・ハーディングが代演を務めることに。クラウス・マケラはまだ２５歳の超若手でその指揮ぶりを楽しみにしていたんですが、これは非常に残念です。なので今回のプログラムはいつもの冊子ではなくペラ１枚のみ。曲目も変更されています。

今回コンサートマスターを務めたのは日本人の千々岩英一さんという方ですが、彼のツイッターによると２日間のリハを終えた直後に指揮者急病で、たまたまパリにいたハーディングがゲネプロから参加して本番を迎えたようです。彼は「こういうことはあまりしたくないが演奏会というのは基本的に中止にできないものらしい」と書いていますが、心中お察しします。

果たして演奏の内容はどうなるか。

1. コルンゴルト: ヴァイオリン協奏曲

コルンゴルトは1897年モラヴィアの生まれ。音楽史の世代的にはストラヴィンスキー以後の、プーランクなどのいわゆるフランス６人組と呼ばれる人たちと同世代。さほど有名な作曲家ではないので日本で聴く機会はまあ滅多にないと思われます。僕自身コンサートで聴くのは初めてです。

そんな彼の作品の中でもこのヴァイオリンコンチェルトは有名で、一般的にも人気があります。ソリストはルノー・カピュソン、wikipediaによるとハーディングとは長い付き合いのようですね。今回の緊急事態の中でもここは不幸中の幸いといったところでしょうか。またこの記事に楽器はガルネリを使ってると書かれていますが、道理でねっていう感じです。めちゃくちゃ良い音してましたからね。「億の音がするなあ」と思いながら聴いてました。

作品そのものはwikiにも解説がある通り、映画音楽のモチーフに基づいて作られているため、全体的に甘いハーモニーとメロディーで劇伴風の調子が続きます。なので一般ウケは悪くないんですが、裏を返せば舞台音楽としては退屈ということにもなります。まあチェレスタやグロッケンがこんなに目立つコンチェルトというのは珍しいというか他に例を知らないのでその点は面白いんですが、それ以外はさほどの見所もないなというのが個人的な感想です。

演奏そのものはこの作品に合った、甘く響かせつつもきちんとソリストらしい音色を保っていたので、きちんと仕事をしてるなという印象でした。この事態ということを加味しなくても悪くない演奏だったと思います。

2. ストラヴィンスキー: 火の鳥（1919年版）

さて問題がこれ。そもそも僕はこの1919年版自体があまり好きじゃありません。要はオリジナル版のハイライトメドレーなわけで、そうなると各曲がチャチく聴こえてしまうんですよね。なので演奏目標として「最初から背負っている大きなマイナスをいかに埋めていくか」みたいになってしまうので、そんな後ろ向きなものを好き好んでは聴かないというのが僕の意見です。

で、ハイライトとはいえやはり火の鳥は演奏難易度が高いんです。アンサンブルは崩壊とまでは言わなくとも崩れてる箇所は結構多かったですし、演奏者同士の意思の疎通がうまくいってないし指揮者もそれを修正できてないしで、まあ正直言って褒められる演奏ではなかったです。いくら一流のパリ管とはいえ指揮者が本番ぶっつけで演奏できるような作品ではないってことですね。

3. ドビュッシー: 海

それを踏まえると最後の海はかなりまとまった演奏ができていましたね。さすがにそこはお国の意地か、それとも相当慣れているおかげか。ホルンアンサンブルは相変わらずきっちり仕上がっていましたし、他の金管群も繊細な演奏ができていました。弦も良かったです。個人的にはハーディングの、あまり間や余韻を残さないスタイルが好きではないので、もうちょっとそこ大事に拾ってくれよっていう箇所は少なくなかったんですが、さすがにそこまで要求するのは酷でしょうかね。

さて以上です。会場はご覧の通り、席を一つずつ空けたりせずに通常通りお客さんを埋めています。まあさすがに指揮者はコンマスやソリストと握手はせず、グータッチを交わしていました。

まあ万全な状態とは程遠い演奏内容でしたが、経験としては悪くなかったです。こういうことは誰の身にも起こりうることですからね、ピンチのときでも最低限の品質を守れるプロの意地を垣間見た思いです。

パリでは今月初旬からオープニングコンサートなどが既に行われており、一応は無事にシーズンを開幕している状況です。とはいえ国外から来るオーケストラやアーティストのリサイタルなどは中止になっているものも多いです。僕も２週間前に久石譲のコンサートを予約していたのですがもちろん中止。すごく楽しみにしていたので非常に残念でした。

というわけで今回が今シーズン最初のコンサートです。９月２７日、フィルハーモニー・ドゥ・パリで行われた、Les Sièclesのコンサートに行ってきました。

Les Siècles（レ・シエクル）は指揮者のFrançois-Xavier Rothが２００３年に立ち上げたオーケストラで、近現代〜現代作品を主に演奏しています。彼は１年前の記事でも紹介したことがあります。おそらくパリでは度々演奏しているのでしょうけど、僕が聴くのは初めてです。

ホールの様子はこんな感じ。予約ページでは全席完売になっているにも関わらずこの客人数ですから、おそらく半分以下に座席を絞っているのでしょう。席に案内されるときは「買った席と同じ列ならどこでも自由に座ってOK、ただし連れの人以外とは間隔を空けるように」とのこと。まあどうせ僕は普段から割と好き勝手に席移動してるんですけどね。

プログラム

Olga Neuwirth: «Clinamen / Nodus» (1999-2000)

最初は当ブログでも何度か登場しているオルガ・ノイヴィルトの作品。編成は弦楽器と打楽器のオーケストラに加え、チェレスタとエレキギター、それに謎の楽器の二人組がいました。持続音をふわーっと出すような感じだったのでシンセの一種かなと最初は思ったんですが、どうも電子楽器ではなさそうな感じでよくわかりません。それと最初の調弦のときにセカンドヴァイオリン群だけ４分の１音（半音のさらに半分）低く調弦していました。微分音を使うということですが、オケの調弦でこういうことをするのは初めて見ましたね。

全員でフォルテで騒音的に音を鳴らしながら始まり、やがて弱まっていって薄い音のアンサンブルに繋がる、基本的にはこの繰り返しです。ハーモニーの作り方なんかは面白い部分もあるのですが、たくさんある打楽器を一気に使う場面だと割と雑な印象というか、あんまり変わり映えしない音が続くのでそこらへんは退屈でした。微分音もそれほど効果的に活かされてる印象はなかったですね。4.5。

後部席を使って打楽器を立体配置していましたが、これはおそらく作曲者の指示ではなく、この後別の曲で後方中央の舞台を利用することになるので、プログラムの流れ的にそうしたのだと思われます。

ラヴェル: 『スペイン狂詩曲』『ラ・ヴァルス』

現代作品は最初のみで、ここからは全てラヴェル作品。２つとも素晴らしい演奏でした。ピッコロやクラリネットは特に良くて、コーラングレも色気のある演奏で魅力的でしたね。なによりオーケストラがかなり緻密で、指揮者の微妙なテンポの揺らぎにもしっかり付いてきてて崩れる瞬間は全くありませんでした。かなり慣れている印象を受けますね。ここらへんが単一指揮者オーケストラの強みということでしょうか。

ラヴェル: 『ボレロ』

最後の曲であり今回のメインです。今回のコンサートは副題が「ニジンスカに敬意を表して」となっているのですが、これは今ではフィギュアスケートのおかげで一般知名度もかなり高まったヴァーツラフ・ニジンスキーのことではなく、その妹のブロニスラヴァ・ニジンスカのことです。

今回ボレロに合わせて踊るのが表紙になっているコレオグラファーのドミニック・ブランで、プログラムに載っていた彼のインタビューによると「兄以上に多くの振り付けを後世に残しているにも関わらず、ほとんど光が当たることのないニジンスカを研究し、兄との違いや彼女自身の哲学を表現したい」とのこと。

このように後部席中央の舞台で彼が一人で踊る中、ボレロが演奏されました。足を強くふみ鳴らすとこの舞台が結構響くので、そういった音響を交えながらの振り付けは大胆な印象を受けましたが、現代舞踊にまったく精通していない僕としては「ふーん」という感想でした。まあもっとニジンスキー兄妹の文脈を理解すればまた違った見え方があったのでしょうけどね。

近くで見るとなかなか良い肉体をしています。さすがバレエダンサーですね。

演奏のクオリティは予想していたよりも高かったので、その点は満足しています。かなり久々のコンサートでしたが、やはり生演奏を目の前にして耳を澄ませるのは楽しいですね。今シーズンはこれまでに比べて聴きに行く回数はかなり減ると思いますが、なるべく多く機会を見つけようと思います。

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）７日目 2/15@ラジオフランス

パリのラジオフランスで開催中の現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の第７日目の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。この日は３つのコンサート...

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2020.02.18

この日は３つのコンサートがありました。このフェスティバルのコンサートは全てフランスミュージックのHPで聴くことができます。フェスティバルの特集ページはこちら（いつまでリンク先が生きてるかは不明）。

１つ目は４月２２日から、２つ目と３つ目は６月３日から配信予定ということで、興味のある方はチェックしてみてください。

まずは室内楽のコンサートから。

プログラム

1. George Benjamin: «Viola, Viola» (1997)

まずはベンジャミンの作品から。タイトルの通りヴィオラ２本のための作品（全然関係ありませんが、フランス語を知ってる人間だと“Voilà Voilà”（ヴォワラヴォワラ、日本語にすると「さてさて」とか「そんなところで」みたいな感じ）に見えて仕方がない）。

この作品は東京オペラシティ文化財団からの委嘱で、当時の初演は今井信子が務めています。全体的にリズミカルで、模倣音形の使い方が良かったです。弾いてて楽しそうな作品というのはやはりとても大事です。中盤が少し退屈だったのは残念。5.5。

2. Lucas Fagin (1980-): «Soyuz 237» (2019)　※世界初演

アルゼンチンの作曲家。地元で学んだ後パリへ移り、高等音楽院でジェルヴァゾーニに師事。

3. Cécile Marti (1973-): «Five stages of a sculpture» (2019)　※世界初演

フランスの女性作曲家。ルツェルン音楽学校で学ぶ。

ラジオフランスの委嘱で、ヴィオラ２本をソリストとする室内オーケストラ作品。５楽章に分かれていて、同音形トゥッティの１楽章、波打つ音形とグリッサンドの２楽章、ピアノとハープのアタックが印象的な３楽章、一転してハーモニックな４楽章、ヴィオラソロのみの５楽章と、バラエティがありました。最終楽章以外はなかなか良かったと思います。最後は微分音なのかピッチが悪いのか判別がつかないですね。5.0。

4. Yann Robin (1974-): «Übergang I» (2018)　※国内初演

フランスの作曲家。マルセイユでジャズと並行しながら作曲を学び、その後パリ高等音楽院、さらにIRCAMへ。

ここにきて「定番の現代音楽」作品がきました。これまで良い作品が続いてるのと比較すると実に魅力に欠けますね。特に語ることはありません。2.0。

続いて古楽器アンサンブルのコンサートです。

プログラム

演奏はSit Fastというヴィオラ・ダ・ガンバのユニットです。最も一般的なものはWikipediaにある通り、チェロと同じ大きさのもので足で挟んで弾くのですが、中にはさらに大きなものや逆にヴァイオリンぐらいのサイズのものもありました。ちなみにリーダーは日本人の酒井淳さんです（公式HP）。もともとチェロ出身でパリで学び、今では多岐に亘る活動をしているようですね。

プログラムでは作曲者の年代が書かれていないのでわかりづらいですが、要はルネッサンス時代の作品と現代作品を交互に織り交ぜています。

「古楽器に現代音楽を演奏させる作品」というのは、それほど多くはありませんが今でも作られています。比較的多いのはチェンバロですかね。オルガンを古楽器に含めればもちろん圧倒的に一番多いですけどね。

まず、その「古楽器に現代作品を演奏させる」ことそのものを考えてみましょうか。基本的に現代作家が楽器に求める能力というのは、「音域が広い」「音量の幅が広い」「速く弾ける（超絶技巧性）」「独特な音色を持っている」みたいなものだと思います。当然真っ先に思い浮かぶのがピアノで、これらの条件をほぼ満たしている理想的な楽器です。そしてさらに独特な音色を求めて多くの作家が特殊奏法を取り入れる、というわけですね。したがって現在最も人気のある楽器であり、今後も永遠に残り続ける楽器の一つでしょう。

歴史における楽器の変遷というのは基本的にそれらを追求していった結果なので、古楽器よりも現代楽器の方が音量が大きく、運動性が高いものが多いです。その結果「（現代から見れば）独特の音色を持った古楽器」が廃れていったわけですが、とにかく新しい音を求める現代ならまだしも、１００年以上前の時代だとそれらの「有利な特性」の前では音色の独自性はさほど重要なものではなかったのです。

では現代において「古楽器で新作を作る意味」は何なのか、という問題ですが、僕自身はそこに意味を見出せません。当たり前のことですが、古楽器の時代は過剰な音量も運動性も必要なかったからその形態だったのであって、現代から見て「能力の劣る楽器」と捉えるのは甚だおかしな話です。そして当時の音楽そのものも、その楽器の能力と音楽習慣から生まれているものであって、それらは全て一体で切り離すことができません。

そうした文脈から楽器だけを切り離して、新作に引っ張り出すということに意味があるとすれば、「時代の文脈から離れることで生まれる斬新な演奏法が面白い結果につながる」か、「その楽器でなければいけない理由を作品内で十分に主張する」か、そのどちらかしかないと僕は思います。先ほど意味を見出せないと言ったのは、それらのいずれの目的もあまり興味がないからです。

で、ようやく今回のコンサートの話に戻りますが、今回の新作でそうした意味、つまり「ヴィオラ・ダ・ガンバでなければいけない理由」というのを僕は見出せませんでした。どの新作も過剰な特殊奏法、例えば楽器を叩いたりみたいなことはさせてません。基本的に通常の奏法通りの演奏をさせていて、だったらなおさら現代の弦楽器でいいじゃんという話です。「単にヴィオラ・ダ・ガンバのアンサンブルで委嘱依頼が来たから書いたまでだ」と言うのなら、「はあ、道理でつまらない作品ですね」と返して終わりです。

George Benjamin: «Upon Silence» (1990)

唯一このベンジャミンの作品だけは、重音奏法やハーモニクスを取り入れて「ヴィオラ・ダ・ガンバである必要性」を主張しようとしていました。その必要性を理解しているあたりはさすがベンジャミンといったところですが、それでも音楽的に面白いかと言われるとさほどでもないので、気に入ったわけではありません。

まあこうしたことを改めて考える機会にはなりましたが、全体的には難儀なコンサートでしたね。

次はいよいよフェスティバル最後のコンサートです。

プログラム

演奏はアンサンブル・アンテルコンタンポラン、指揮はPierre Bleuseです。

1. Bastien David (1990-): «Urban Song» (2019)　※世界初演

フランスの作曲家。パリ高等音楽院で学んだ後、現在はヴィラ・メディチに滞在中。

一定リズムなのはわかりやすいものの、やはりアンテルコンタンポランにやらせるだけあって、ほぼ特殊奏法で構成された前衛志向の作品。どの瞬間を切り取っても誰か一人は必ず変なことをやってます。映像付で配信予定なので気になる方はご覧あれ。打楽器は今ではよく見かけるようになった逆さティンパニーが中心。作曲者が特殊奏法の扱いに慣れているんだろうなという印象ですね。僕としては好きな作風ではありませんが、よく出来た作品だとは思います。4.5。

2. Isabel Mundry (1963-): «Noli Me Tangere» (2019)　※世界初演

ドイツの女性作曲家。ベルリン高等芸術学校で作曲を学びながら、芸術史や哲学も学ぶ。のちIRCAM研究生。

前の作品と比べると実音は多めではあるものの、作風としてはより前衛志向な感じです。冒頭は中央にいる白シャツのパーカッショニストが、ピンマイクをつけて風の音っぽいものを口から出しながらソロで色々やっていました。写真では見えづらいですが彼の両サイドには銅板のようなものがたくさんぶら下がっていて、終盤でスティックを両手に持ちながら踊るように叩く場面もありました。

注目すべきは右奥の金管４人と、その奥にいる第二指揮者。４人は曲中で度々後ろを向いて、そちらの指揮者に従って音を出していたのですが、実際二人の指揮者はお互いを見ながら振り方を合わせていたので、別々の指揮系統に従ってアンサンブルしているような感じではありませんでした。だったら何のためにこんな仕掛けにしたのか、僕には全然理解できません。最後が後ろを向いた金管アンサンブルで終わるので、まさかそれだけのために指揮者を置いたということはないでしょうけど。音楽的には目新しさも面白さもなかったですね。3.0。

3. George Benjamin: «Into the Little Hill» (2006)

最後はやはりベンジャミン作品。ソプラノとコントラルト（一番低い女声）とオーケストラのための作品。イギリスの劇作家、マーティン・クリンプのテキストを元にした音楽物語でもあります。ヴァイオリンにマンドリン持ち替えやバンジョー持ち替えがあったり、打楽器がカンテレも使ったりなど特殊な編成です。

歌の旋律に合わせて少ない楽器で対旋律を作ったりハーモニーを作ったりというのに関しては、響きがよく練られてて良いとは思いますが、４０分近くある作品ということを考えると、もっと構成的な面白さや合間合間に求心力のある素材や仕掛けがないと、さすがに間延びしているかなと思ってしまいます。まあテキストをよく理解した上で聴いたらまた違うのかもしれませんが。

しかしこれまでベンジャミンの作品をたくさん聴いて思うのは、やはりこれが彼の作品に対する僕の印象そのものという感じです。つまり、「部分で切り取って聴けばとても洗練されている。しかし全体としては時間の中での展開的面白さに欠ける」というものです。これが数年後に改めて聴いたときに自分の意見がどう変わっているのかが見ものですね。4.5。

一応自分用という意味も込めてこの作品のYoutubeのリンクを貼っておきます。こちら。いくつかのパートに分かれていますが再生リストに従って自動で連続再生される、はずです。リストの最後には前日に演奏された «Sometimes Voices» もあります。

コンサートは以上です。最後に去年と同様パネルの展示とインスタレーションもやっていたので、その紹介もします。

フェスティバルは今回で３０回目を迎えました。

これまでにフェスティバルで発表された作曲家の名前と作品名がずらっと並べられています。５６０は世界初演の数、７８０はこれまで登場した作曲家の数です。３０年でこれだけの数になるんですから、すごいお祭りだと改めて思いますね。

そしてフェスティバルの期間中、このラジオフランスの建物の２２階にある一室に、このようにスピーカーを１０個ほど並べて立体音響を使ったサウンドインスタレーションも行われていました。別に行かなくてもいいかと思ったんですが、最後なのでネタ紹介のつもりでやって来ました。

Vincent-Raphaël Carinolaという作曲家の作品で、まあ基本的にはインスタレーションらしい音響でしたが作りは悪くなかったです。つまりこれがアクースモニウムの原型で、これよりもスピーカーをさらに増やしてリアルタイムでミキサー調整すると本格的なアクースモニウム（スピーカーオーケストラ）になるということです。

遠くにエッフェル塔が見えます。おしゃれな空間ですが普段は立ち入ることができないので、もう来ることはなさそうです。

というわけで、長く続いたフェスティバルの記事もこれでようやく終わりです。ここまでお付き合い頂いた方はお疲れ様でした。

まず個人的な最優秀作品は、４日目のチェロコンチェルトですね。これは本当に良かった。これに出会えただけで十分満足のいく成果です。２日目のピアノ作品もすごく良かったですけどね。

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）４日目 2/12@ラジオフランス

パリのラジオフランスで開催中の現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の第４日目の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。このフェスティバルのコン...

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2020.02.13

そして主役であるベンジャミンについては、先ほども触れた７日目の «Sometimes Voices» が一番良かったかなと思います。正直に言うと、このフェスで唯一飽きずに最後まで聴けたベンジャミン作品でしたね。

しかし、今回の終演後にさきほどのパネルの写真を撮っていたときに、優秀そうな日本人の学生２人が「いやーさっきの曲めちゃくちゃ良かったですねー」なんて話をしていたので、所詮僕の耳がクソだったというオチは十分すぎるくらいあり得ます。あーいやだいやだ。はやくにんげんになりたい。

さらに今回はまさかのフェスティバル全コンサート制覇という謎の任務を成し遂げてしまいました。連日コンサートへ行き帰宅して記事をまとめてるだけで日々が過ぎていきました。すんげえ大変だから二度とやりたくないけど、来年にはもう忘れてそうです。ちなみにチケット１枚あたり１５ユーロくらいなので、全部足して２５０ユーロ弱ですね。ポーカーで取り戻すしかねえな。

【アクースモニウム】Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）６日目 2/14@ラジオフランス

パリのラジオフランスで開催中の現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の第５日目の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。この日はなんとフェスティ...

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2020.02.15

この日は３つのコンサートがありました。このフェスティバルのコンサートは全てフランスミュージックのHPで聴くことができます。フェスティバルの特集ページはこちら（いつまでリンク先が生きてるかは不明）。

１つ目は２月２６日から、２つ目は４月１日から、３つ目は４月２２日から配信予定ということで、興味のある方はチェックしてみてください。

まずはピアノリサイタルから。

プログラム

ピアニストはFlorent Boffard。１２歳からパリ高等音楽院でイヴォンヌ・ロリオに師事し、その後数々のコンクールで優勝して、アンテルコンタンポランのメンバーとして１０年以上在籍していました。つまり現代作品の専門家ということですね。

公式プログラムのインタビュー記事

今回のプログラムは写真の通り非常に長いので文字起こしはしませんが、要はエチュード祭りということです。ショパン、ドビュッシー、リゲティのピアノエチュードを中心にして、さらにベンジャミンとストロッパの新作も挟んでいます。全世界のピアニストが絶対嫌がるようなプログラムを組めるなんていうのは驚異的としか言いようがありませんね。さすがにショパンは専門家の演奏と比べることはできませんが、ドビュッシーとリゲティに関しては見事な演奏でした。

新しい作品２つの感想だけ書いていきます。

5. George Benjamin: «Piano figures» (2004)

１０個の小品をまとめた作品。第６曲目『ハンマー』は面白いなと思いましたが、それ以外は音楽としてもピアニズムとしても面白みや新鮮さに欠ける印象でした。3.5。

12. Marco Stroppa (1959-): «Trois études paradoxales» (2019)　※世界初演

ラジオフランスの委嘱作品。ちょこちょこ内部奏法を取り入れてますが、２日目の記事で書いた通り、文脈的にも音楽的にもあまり説得力がありません。３曲目はクラスター祭りみたいな感じで、ペダルを使いながら肘全体でジャンジャカ弾いた後で、特定の鍵盤をゆっくり押し下げた後でペダルを離すことでハーモニーを浮かび上がらせる、という手法を使っていましたが、これもどこかで見たことあるので新しい表現というわけではないですね。こちらもさほどの魅力はありませんでした。3.0。

続いて１０４スタジオで室内楽のコンサート。

プログラム

演奏はサックス、打楽器、ピアノのTrio Accantoです。（英語版Wikipedia）
プログラムが変わりましたが、演奏順で紹介していきます。

1. 望月京 (1969-): «Satellites» (2018)　※国内初演

日本人の女性作曲家。藤倉と並んで、現役の日本人現代作曲家としては世界的に最も有名な人だと思います。たまたまYoutubeで日経新聞の動画で彼女が喋ってるものを発見したので、興味があればご覧ください。

ピアノが中音域で無窮動の迷路的パッセージを弾きながら、順に打楽器、サックスが点描的に加わる。その後しばらく同じ調子が続き、ピアノのシークエンスが止んだら、各奏者がまだらにポツポツと音を出す、といった作品。プログラムノートの翻訳が難しくて理解できないのですが、恐らくアンサンブル性が極めて薄い、ほとんどないのは意図したものらしいです。作曲意図はともかく、僕には音楽的な面白さは感じられませんでした。2.5。

2. Rebecca Saunders (1967-): «That Time» (2019)　※世界初演

ロンドンの女性作曲家。リームに師事し、現在もドイツで活動中。

ラジオフランスの委嘱で、特殊奏法の見本市的な前衛作品。打楽器は最近流行りのスーパーボールなどを使っていましたが、音楽的には僕からすると「古い」の一言で片付きます。そろそろこういう作風が時代遅れだという認識が一般的にもなっていい頃だと思いますね。2.0。

3. Mikel Urquiza (1988-): «Ex Voto» (2019)　※世界初演

３日目にも登場したスペインの作曲家。ラジオフランスの委嘱作品。

５楽章構成で、全体的にリズミカルな曲。水笛などの面白吹物祭りやピアノ叩き祭りなど、「ウケる(funny)」という意味では面白い曲でしたが、「興味深い(interesting)」かと言われるとちょっと単純すぎるかなという印象。これも３日目の作品と近い印象なので、これが彼の作家性なのでしょう。3.0。

4. Georges Aperghis (1945-): «Trio Funambule» (2014)

ギリシャの作曲家ですが、１０代でパリに移り住み研鑽を積む。２０１１年にカーゲル音楽賞を受賞。

今回の中ではある意味一番マトモに作られた曲という感じ。割とリズミカルで、ユニゾン音形が多めであるという以外でこの作品を言葉で形容するのは難しいのですが、音響面でも構成面でも魅力には欠けると思います。3.0。

最後に再びオーディトリウムに戻ってオーケストラのコンサート。

プログラム

演奏はラジオフランス交響楽団、指揮はケント・ナガノです。

1. Helen Grime (1981-): «Fanfares» (2017)　※国内初演

スコットランドの女性作曲家。オーボエ出身というのを活かして、２００３年にオーボエコンチェルトでイギリス作曲賞を受賞。

4分ほどの短い作品ですが、オーケストレーションが面白かったですし主要モチーフの構成も良かったです。どうせ短いなら印象に残る仕掛けを一つくらい用意してもよかったかなとは思いますが。5.0。

2. George Benjamin: «Sometimes Voices» (1996)

ベンジャミンの作品。バリトンソロと合唱付のオーケストラ作品。

スティックを逆に持って持ち手部分でロールする打楽器が印象的な冒頭。前半はオペラっぽいオーケストレーションですが、マンドリンなどを使った音響は面白かったですね。中間部の合唱のみの部分でのモチーフである、ハーモニーの中を１声部ずらしていって色彩をグラデーションさせていくというのをクライマックスでもうまく活用して盛り上げていったのは見事な手法だと思いました。5.0。

3. Ondrej Adámek (1979-): «Man time Stone time» (2019)　※国内初演

チェコの作曲家。プラハ音楽アカデミー、パリ高等音楽院で学んだ後、２００７年にヴィラ九条山のレジデントアーティストに選ばれています。

4人の歌手がステージ後方のテーブルに並べられた色々打楽器を使いながら、視覚的パフォーマンスも多少取り入れた作品。系統としては前のコンサートの作品群に属するもの、つまりイロモノ枠ですね。単純なリズムシークエンスをふんだんに用いて、オルガンを使ったレチタティーヴォごっこなどパロディー要素も多めでしたが、それ以上のものはなかったですね。「ああこの系統か」という最初の印象が何も変わらないまま終わってしまいました。個人的にはこの系統ももう古い作風だなと思います。それにこの芸風で25分は長すぎる。2.0。

4. Jérôme Combier (1971-): «Wood and Bones» (2019)　※世界初演

フランスの作曲家。パリ高等音楽院の後IRCAM研究生。

ラジオフランス委嘱でチェロのソロ作品。演奏は僕の敬愛してやまない、アンテルコンタンポランのEric-Maria Couturierです。

かなり激しめの特殊奏法祭り。演奏技術はさすがで大したものなんですが、作品そのものはありがちすぎて特に言うことはありません。いかにもIRCAM卒業生といった感じ。2.0。

5. メシアン: 『神の現存についての3つの小典礼』 (1944)

最後はメシアンの作品で、ピアノの名作『２０のまなざし』と同時期のもの。作品単独の日本語版Wikipedia記事もあります。

初めて聴いたのですが、これは面白い曲でしたねえ。弦楽合奏、パーカッション、女声合唱、ピアノとオンド・マルトノという編成自体がまず面白い。今回は合唱を女性児童合唱でやっていたのですが、かなり複雑なハーモニーの中でも合唱そのものは歌いやすく出来ているのがさすがメシアンです。オンド・マルトノの使い方も絶妙で、メロディーラインの「妖しさ」にうまく花を添えています。なにより驚きはパーカッションにマラカスを使っているところですね。よくこんな発想ができるなと思うし、それが単純な音響装飾ではなく、音楽的に重要な役割を担っているというのが実に面白い。メシアンにこんな引き出しもあったんだなと驚きました。

この日はずっといまいちな印象の曲が続いていたので、最後のメシアンに救われた気がしましたね。新作を聴き続けるというのは本当にしんどい。明日でようやく終わります。

次はこちら。

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）最終日 2/16@ラジオフランス　＆総評

パリのラジオフランスで開催していた現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の最終日（８日目）の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。この日は３つ...

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2020.02.20

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）５日目 2/13@CdlM

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2020.02.14

この日はなんとフェスティバルのイベントが同じ時間で被っていました。一つはフィルハーモニー・ドゥ・パリでベンジャミンのオペラ、もう一つはラジオフランスでアクースモニウムのコンサート。どちらにするか迷うところですが、まあオペラの方は後でフランスミュージックでも聴けるし、チケット高いしということでアクースモニウムの方へ行ってきました。

おそらく今回のコンサートはフランスミュージックで配信はされないと思います。でも配信するほどのクオリティではなかったのでご安心ください。

一方オペラの方は既に配信されています。Vendredi 14 février 2020 の日付の“Written on skin”というタイトルです。興味のある方は特集ページからどうぞ。

２つのコンサートがあったので順に紹介していきます。

プログラム

実は電車を一本ギリギリで逃してしまい、到着が遅れたので最初のベンジャミンの作品を聴き逃してしまいました。それで本来の予約座席じゃないところへ案内されたんですが、なんとその席の隣にクラスメートのテオがいました。そんな偶然あるかいな。お互い「ええ！？」みたいに顔を見合わせてしまいました。そんな中で２曲目が始まりました。

2. Laurence Osborn (1989-): «Absorber» (2019)　※国内初演

3. Rocio Cano Valino (1991-): «Okno» (2019)　※世界初演

ラジオフランスの委嘱作品。「ガシャコン」みたいなメカニックな複合体を動かすような音と様々なパルス系の素材を主体とする作品。素材自体は面白かったですね。パルス音は動きも出せるし音高のある素材ならハーモニーも作れるので、色々な活用法があります。この作品では時折リズムシークエンスとパルス音を混ぜて、グラデーションにしたりフェイントをかけたりしていたので、この発想自体は良かったと思います。ただ作品全体としてはその素材を構成的に発展させるには至ってなかったので、その点は残念です。4.5。

4. Ivo Malec (1925-2019): «Week-end» (1982)

ブーレーズと同い年の電子音楽界の巨匠、イヴォ・マレックの作品。去年の夏に亡くなって、これまでも色々と追悼演奏会が行われました。

公式プログラムのインタビュー記事

2部に分かれていて、前半はシンセティックなハーモニードローンの中でアコースティックな素材を織り交ぜるようなシークエンス、後半は弦楽器の低音にエフェクトをかけたような音の上に、倍音っぽい音をいろいろ重ねていくようなシークエンス。素材も音響も構成もどれもさほど目を引くものはなかったですね。2.5。

5. Jonathan Harvey (1939-2012): «Mortuos plango, Vivos voco» (1980)

イギリスの作曲家。日本語版Wikipediaに記事もあります。これはIRCAM時代の作品。

複数の鐘の音がガランゴロンと鳴ったあとでその音を逆再生した素材のシークエンスが始まり、少女の歌声が混ざってくる。その後は鐘と歌声の素材だけで、それを色々といじっていく作品。こういうスタイルは和声感が重要ですが、それを練ろうとする意思がなく、その結果音の重ね方が退屈になっていました。素材自体は可能性がありそうだったのでもったいないですね。3.0。

終演後にテオと軽く話す。

テオ「やあびっくりしたよ。急に了三が隣に来たから笑っちゃった」
僕『いや本当にね。まさか君がいるとは』
「次のコンサートも聴く？」
『うん』
「そう、俺は帰るよ」
『僕はもう予約してしまったからね。逃げられないのさ』
「はは、そしたらまた学校で。それじゃあね」

ということでテオとお別れ。第２部はいつも通り一人で聴きます。

プログラム

1. Elsa Biston (1978-): «Il n’y a pas d’autre côté» (2019)　※世界初演

ラジオフランス委嘱作品。アンプノイズのような低音が続く中で鈍い「ガン、ガン」という音が時折出てくるという、まあ小細工は多少あるものの基本的にはそれが延々続くだけ。ナメてんのか。しかも２０分以上もあった。これに拍手してた客もトチ狂ってんじゃないかと疑いたくなる。0.0。

2. Florent Colautti (1991-): «Mécano» (2019)　※世界初演

ラジオフランス委嘱作品。ディストーションを効かせたシンセ音のリズムシークエンスが続く中で、それを変容させたり音を加えたりする作品。先ほどとの比較だと何でもマシに聴こえてしまいますが、これも別段面白いわけでもなく。2.5。

3. Julien Beau (1982-) / Mokuhen (1970-): «Paysage accidenté» (2019)　※世界初演

ラジオフランス委嘱作品。アニメでオバケが出てくるときのようなSEみたいな素材から始まり、やがて音が重なって最終的には重低音の上に水音などの素材を入れ替わり繰り返すシークエンスに至る作品。音響としてはこの回で一番まともでしたが、構成はいまいち。3.0。

4. Florentin Ginot (1993-) / Helge Sten (1971-): «Live électronique» (2019)

タイトルの通り、コントラバスを使ったライブエレクトロニクスの作品。３部に分かれていて、最初は駒の近くで持続音をボーンボーンと鳴らして、そこに電子音響が加わる。おそらくマイクで拾った音の特定の周波数帯だけを拾って増幅させる、またはそれに近い仕掛けだと思います。リズム面での仕掛けは一切ないので、ずっと持続音が重なるだけです。じゃあアンビエント的かと言われると、電子音響が歪んでて音質が悪いので、聴いてて心地よいものでもありません。で、２部で今度はピチカートで同じことをやって、３部でまた最初と同じことをやる。もうええっちゅうねん。なんで全く同じ仕掛けのを繰り返す必要があるのか。1.0。

といった感じで、いつものGRMのがっかりコンサートでした。金返せよ本当。

で、さらに電車の終電を逃し地下鉄駅まで歩く羽目に。んん？　なんか既視感があるなと思ったら１年前の同じフェスでまったく同じことをやっていました。学ばない人間である。そして優等生テオの判断は正しかったなーとここでようやくわかるんです。くそう、くそう。

次はこちら。

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）７日目 2/15@ラジオフランス

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2020.02.18

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）４日目 2/12@ラジオフランス

パリのラジオフランスで開催中の現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の第４日目の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。このフェスティバルのコン...

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2020.02.13

このフェスティバルのコンサートは全てフランスミュージックのHPで聴くことができます。フェスティバルの特集ページはこちら（いつまでリンク先が生きてるかは不明）。

今回のコンサートは既に配信されています。Jeudi 13 février 2020 の日付の２時間２８分のものです。興味のある方はチェックしてみてください。以下、作品が始まるタイムラインも合わせて記しておきます。

プログラム

今回はいつものラジオフランスではなくシテ・ドゥ・ラ・ミュージックのホールでのピアノリサイタル。新曲は一つだけでした。

ピアニストはピエール＝ローラン・エマール、メシアンの奥さんのイヴォンヌ・ロリオに師事し、わずか１９歳でアンテルコンタンポランの創設メンバーとして参加したほどの早熟の天才です。現代音楽を得意としていますが、ベートーヴェンのピアノコンチェルトの全集録音などもしており、幅広いレパートリーをもつピアニストです。日本語版Wikipediaの記事はこちら。

どんな演奏をするのか、一つ映像を紹介しておきましょう。２０１６年のリサイタルで、ベートーヴェンの熱情を弾いています。

こんな感じで、実に表情豊かに弾く人です。今回はさらにグールドよろしく本人の歌声も結構聴こえてきました。録音でも残っているので、なんか声が聞こえるなと思ったらそれは本人のです。

1. スウェーリンク: 半音階的ファンタジア
-40mn 15s-

最初はルネサンス末期の作曲家、スウェーリンクの作品。おそらくスウェーリンクの中でもこの作品が一番有名だと思います、というか僕はこれしか知りません。８分近くある大きなフーガとしてはかなりの名曲だと思うので是非聴いてみてください。Youtubeの楽譜付きの映像を紹介しておきます。

良い曲でしょう。で、今回はこれをピアノで弾こうということなんですが、ピアノだと音が伸ばせないので、拡大したテーマとかを弾くのが難しいんです。なので普通はこの曲はオルガンでしか演奏されません。今回の演奏はやはり彼らしく独特、というか僕の印象では「作曲家が弾くピアノ」っぽいですね。曲の魅力を伝えるような演奏というよりは、分解・分析するような弾きっぷりでした。

2. ベルク: ピアノソナタ op.1
-48mn 40s-

続いて演奏順変わって、ベルクのピアノソナタ。ベルクがシェーンベルクの下で学んでいた時代の作品で、後期ロマン派のハーモニーを駆使しながらソナタ形式というものをどのように指導していたのかが垣間見えます。僕自身大学時代に分析したことがあるので、これを聴くと当時を思い出すくらい記憶に刻まれている曲です。でも生演奏で聴くのはこれが初めてです。日本人はあまり弾く人がいないんですよね、なぜだ。

演奏は良かったですね。絶妙な和声感をちゃんと表現している演奏で、テンポの揺らし方や連符の処理も良かったと思います。さすがここらへんの時代のスペシャリストだなといったところ。

先ほど引き合いに出したグールドがこれを弾いてる映像があったので紹介しておきます。バッハで有名なグールドですが、この時代の作品も結構弾いています。シェーンベルクとかヒンデミットとか。

3. George Benjamin: «Shadowlines» (2001)
-59mn 45s-

続いてベンジャミンの作品。副題に「６つのカノン風プレリュード」とついています。

1h 4mn 20s あたりでガサガサッと鳴っています。これは譜めくりの人がめくったのを彼が戻してるときの音で、「お、めくり間違えたかな？」と思ったら直後にまたすぐ本人がめくってました。わずかにタイミングがずれたのか、それとも焦ってめくり間違いと勘違いしたのか、それは謎のままです。まあでもこういうことはよくあるので、コンサートでの譜めくりも楽ではないんです。僕もかつてブーレーズのソナチネの譜めくりを依頼されたことがありますが、本番でミスはなかったもののあれは大変でした。

作品については、ピアニズムとしては悪くないと思いますが、ハーモニーや構成はやはり迷路的で、それほど好きになれるものではなかったですね。「カノン風」というのが理解できればもっと違うのかもしれませんが。3.5。

4. ベートーヴェン: ピアノソナタ第２９番『ハンマークラヴィーア』
-1h 41mn 45s-

最後はベートーヴェンソナタの中で最も巨大なハンマークラヴィーア。演奏も難しいです。

まさに「熱演」の二文字にふさわしい演奏でしたね。爆発力もあり多彩な表情のテクニックもあって凡庸なピアノではまったくないんですが、さすがに勢い任せの部分も目立つかなというのはあります。肝心な部分のミスタッチも一つや二つではなかったですしね。彼ほどのピアニストでも難しいという証拠なのか、それとも本調子ではなかったのか。先ほどの件で譜めくりの女性との関係性が悪くなってやしないかと心配でしたが、曲が終わった瞬間にまず譜めくりの彼女と握手を交わしていたので、ホッとしました。いや別に僕が安心するようなことでもないんですけどね。

というわけで、ルネサンスから始まり現代に至るあらゆる時代の作品を網羅したコンサートでした。こういうのを実現できるというだけで相当すごいピアニストであることは間違いありません。個人的には他の現代作品も聴いてみたいですね。リゲティが得意みたいなので、それを是非。

次はこちら。

【アクースモニウム】Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）６日目 2/14@ラジオフランス

パリのラジオフランスで開催中の現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の第５日目の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。この日はなんとフェスティ...

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2020.02.15

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）３日目 2/9@ラジオフランス

パリのラジオフランスで開催中の現代音楽フェスティバル、Festival Présences 2020の第３日目の紹介記事です。今年の特集作曲家、ジョージ・ベンジャミンについては初日の記事をご覧ください。前回はこちら。この日は２つのコンサート...

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2020.02.12

このフェスティバルのコンサートは全てフランスミュージックのHPで聴くことができます。フェスティバルの特集ページはこちら（いつまでリンク先が生きてるかは不明）。

今回のコンサートは既に配信されています。Mercredi 12 février 2020 の日付の２時間２８分のものです。興味のある方はチェックしてみてください。以下、作品が始まるタイムラインも合わせて記しておきます。

プログラム

演奏はフランス国立管弦楽団、指揮はPascal Rophéです。

1. George Benjamin: «Sudden Time» (1993)
-3mn 55s-

まずはベンジャミンの大オーケストラ作品。打楽器が６人います。

これまでのベンジャミン作品の中でも一番、響きも構成も混沌としている印象です。序盤のパルス音形のシークエンスは割と好きですが、それ以外に関してはそれほど面白いと思えるポイントはありませんでした。これだけ音響やアンサンブル書法を複雑にするならもっと「記憶の契機」になる仕掛けを施さないと、聴く側の興味を持続させることは出来ないと思います。3.5。

ハープの後ろにインドの打楽器、タブラが見えますね。オーケストラでタブラを使うのは初めて見るかもしれません。使い方は普通にポコポコ叩くだけなのでタブラっぽくなかったですけどね。ピアノもアップライトを用意してミュートしながら使っていましたが、そちらもそれほど効果的ではなかったと思います。

2. Julian Anderson (1967-): «Litanies» (2019)　※世界初演
-25mn 45s-

ラジオフランスの委嘱でチェロとオーケストラのコンチェルト作品。イギリスの作曲家。１１歳から作曲を始め、ロンドンでのみならずパリでトリスタン・ミュライユにも師事。１９９３年にロイヤル・フィルハーモニック協会の作曲賞を受賞。

素晴らしい作品でしたねこれは。ピチカート多めのチェロのソロから始まり、しばらくはオーケストラの一部しか使わず薄い音響が続きますが、その中でもソリストとオケのアンサンブルのやり方が面白いですね。ソリストに過剰な特殊奏法はないものの、ピチカートやハーモニクスが目まぐるしく入れ替わったりするので、演奏難易度はかなり高いです。ですがよく弾きこなしていましたね。

部分的にはかなり複雑に音が重なってるんですが、前後関係でうまく調整しているので混沌としたよくわからない印象にはならず、合間合間で清明なハーモニーを用意しているので、全体としてスッキリした響きになってるところがすごいです。その中でソリストがかなり自由に動き回っているので、退屈させないようにもなっている。オケとソリストのバランスや立体感が本当に見事です。

打楽器の使い方も、全体的にかなり抑制的ながら実に効果的です。うまくアンサンブルの隙間に挿入しているので、目立つ音じゃなくてもはっきり存在感が示せているわけですね。そして後半の一番盛り上がるところで一気にエネルギーを爆発させるので、構成的にも実にうまく仕掛けられています。

曲の中盤でチェロの一番低いC線を下げるところがあって（36mn25sあたり）かなりリスキーだなと思いますが、その後のハーモニクスのシークエンスでそれをやるだけの説得力を主張しているわけですね（自然倍音ハーモニクスで狙った音を出すには開放弦の音高を変えるしかないという意味）。曲中で調弦を変えるのは現代作品では珍しくありませんが、ただ単に目を引く演出でやっている作品とは雲泥の差があります。ちなみにその後の37mn20sあたりでガサガサ鳴っているのはオケ全員が足で床を擦っている音です。これはちょっとした遊びと言えばそうなんですが、こういうのをうまく挟むことで先述した「記憶の契機」に繋がるんです。こういうのもうまいなーと感心させられます。

個人的には、少なくとも「現代コンチェルト作品」という括りではこれまで聴いてきた中で最も素晴らしい作品です。全てのオーケストラ作品に広げても最上位レベルであることは間違いありません。この魅力の正体が何なのか、これから何度も聴きまくって分析しようと思います。これが録音で残っていてしかも無料で聴けるなんて、本当にありがたい。8.5。

3. 藤倉大 (1977-): «Twin Tweets» (2019)　※世界初演
-1h 23mn 10s-

前回に続き再び藤倉の登場。今回はラジオフランス委嘱の２本のクラリネットの作品。

プログラムノートには「この編成で依頼されたときに、まず２羽の鳥が空を飛ぶ絵が浮かんだ。個人的に鳥の鳴き声というものにはそれほど興味を惹かれないが、鳥が空を飛ぶときの動き方には興味がある。２羽の鳥が空を自由に飛び回り、やがて私たちの大地へ近づいてくる様子を描いた」とのこと。

短い作品ですが面白い曲でした。同じ音形のアンサンブルが多いですが、ハーモニーやメロディーの作り方はさすがといったところ。短い時間の中でもしっかり構成されてて良かったです。最後の限界までディミヌエンドして終わっていくところもいいですね。5.5。

4. ブーレーズ: «Figure-Double-Prismes» (1964、改訂1968)
-1h 35mn 15s-

最後はブーレーズの大オーケストラ作品。ステージいっぱい使って特殊な奏者の配置をしています。

この作品は昔にCDでしか聴いたことがありませんでしたが、改めて聴いてみると時代を感じますね。まあ６０年も前なので当たり前なのですが。決して甘いハーモニーやリズムアンサンブルが許されなかった時代の作品だなとつくづく感じました。先ほど絶賛したチェロコンチェルトなんか聴いていると、現在の潮流はブーレーズの指し示した未来とは別な方向へ進んでいるのかなと思います。まあもちろん今でもブーレーズ的に作曲している人はいますけどね。

いやー素晴らしい出会いがあって非常に嬉しいです。コンサート一つだけだと感想を書くのが楽でありがたい。

次はこちら。

Festival Présences 2020（ベンジャミン祭り）５日目 2/13@CdlM

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2020.02.14